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El ballet es uno de los géneros de danza más antiguos, así como la base de todas las coreografías.
El ballet es un producto terminado y su preparación se llama coreografía clásica. El ballet es una actuación preparada con una secuencia de movimientos bien pensada, organizada de acuerdo con una historia determinada, o incluso un libro. La música, la danza, la pintura, el teatro y las artes visuales se unen para construir una actuación bien coordinada que se abre frente a la audiencia en el escenario del teatro.
De hecho,
la palabra «ballet» significa «bailar» en italiano.
¿Qué tipos de ballet existen?
El ballet y la coreografía clásica se clasifican en función de diferentes criterios. Veremos el tema de los estilos, géneros y técnicas de ballet en detalle a continuación, así como también veremos otras clasificaciones existentes.
Estilos de ballet
El más común y completo es la categorización de ballets en estilos según sus características y época de origen.
El ballet clásico es el primer y básico estilo de ballet. Cuando la gente dice la palabra «ballet», por lo general se refiere a la forma clásica.
Es característico de la danza clásica:
- Centrándose en la historia que cuentan los bailarines a través de coreografías, gestos y expresiones faciales (aunque también hay producciones de ballet clásico sin trama)
- Vocabulario y técnicas de ballet clásico
- Interpretación del ballet con música clásica compuesta por autores famosos.
- Cumplimiento estricto de las reglas, técnicas y tradiciones.
- Base literaria y argumental
- Unidad de dramaturgia y música
- La música de ballet clásico es interpretada solo por la orquesta.
- Los movimientos tienden a la claridad geométrica con la ayuda del principio de eversión.
- La observancia de la posición específica de las piernas, los brazos, el cuerpo y la cabeza, y la adherencia precisa a los principios del giro de las piernas, la verticalidad del cuerpo y el aislamiento de sus diferentes partes.
Brillantes ejemplos de ballet clásico son El lago de los cisnes, El cascanueces y La bella durmiente.
Como se mencionó anteriormente, el ballet clásico también tiene una base geográfica. Entonces, hay ballets clásicos rusos, franceses, italianos e ingleses. Todos ellos tienen características propias, técnicas tradicionales y son conocidos en todo el mundo por sus “estrellas” del ballet.
El ballet en el sentido clásico de la palabra está directamente relacionado con la coreografía clásica y la danza, que está sujeta a estrictas regulaciones y reglas. En este sentido, las representaciones de ballet clásico también tienen una forma y un vocabulario muy estrictos.
Pero lo principal es que el ballet clásico es una suma de leyes y una cierta mentalidad que eleva el arte de la danza al nivel de una actuación musical y escénica.
El ballet romántico surgió durante la era romántica, cuando toda la cultura europea, y luego la estadounidense, comenzó a reflexionar sobre la autoestima del hombre y su propósito supremo.
El ballet romántico se caracteriza por:
- Centrarse en el drama y la emotividad de las historias que se cuentan.
- La aparición de música diferente
- El papel cada vez mayor de la música, que ayudó a crear la dramaturgia y dio características musicales figurativas a los personajes.
- Oponer el mundo positivo al mundo del exotismo y la fantasía (de ahí la difusión de la imagen de la mujer mística)
- Mantener la forma estricta y las tradiciones de la coreografía clásica.
- La ligereza del movimiento
- Aparecen zapatillas de punta y tutús cortos blancos
- Aparecen el culto a la bailarina como parte central del espectáculo y bailarines estrella de ballet
- Desarrollo activo y uso de efectos especiales teatrales (en particular, iluminación de gas)
Los ejemplos más brillantes son Sylphide y Giselle.
El ballet neoclásico se generalizó precisamente en los Estados Unidos, donde fue posible apartarse de las reglas clásicas y crear una danza completamente única.
En general, se considera que Apollo Musaget es el primer ballet neoclásico y George Balanchine el pionero del estilo. Aunque no se puede ignorar la influencia de Isadora Duncan y su baile libre, fácil y libre de reglas. Ella le dio al arte esta perspectiva radicalmente nueva sobre el estado actual de las cosas. Después de oposiciones tan atrevidas a la forma clásica de la danza, surgieron otros bailarines, coreógrafos y directores populares, atrevidos, diferentes e innovadores.
La danza neoclásica se caracteriza por:
- Técnica clásica enriquecida con danza y deportes libres
- El tempo medido de la música es reemplazado por rítmico
- Ausencia de paisaje
- El cambio de enfoque de la trama a la habilidad del bailarín.
- Saturación con elementos coreográficos complejos
- Falta de trajes suntuosos y coloridos.
- Reducción significativa de la duración de la actuación.
- Posibles desviaciones de la forma clásica de líneas y pasos.
La forma austera, clara, linajudo y transparente pasó a primer plano en Apollo Musaget, y posteriormente en otros ballets neoclásicos. El vocabulario de la danza clásica, purgado de decoración en trama, diseño, emoción y gestos, se convirtió en la colchoneta ideal para ella.
Hoy en día, hay muchas cosas que se ajustan a la definición de “neoclásico”, o más precisamente, cualquier cosa que difiera de la imagen habitual de “ballet romántico”.
El ballet moderno se diferencia mucho del ballet clásico por sus trajes más atrevidos y su interpretación de danza libre. El ballet moderno acaba con los tutús y las zapatillas de punta; son reemplazados por prendas sueltas y alargadas que usan las bailarinas para crear un look aireado y sofisticado. Muchos bailarines comienzan a subir al escenario descalzos por completo.
Caracteristicas:
- El uso de elementos de gimnasia y acrobacia.
- La difuminación de los límites de los géneros, multigénero
- Nuevas interpretaciones diferentes de ballets clásicos
- Simbolismo
- Rechazo de los principales postulados de la coreografía clásica: posiciones de brazos y piernas, giros complicados y alargamiento intencional de brazos y piernas
- La libertad de sentimientos e ideas, la salida del conservadurismo
- Los movimientos se basan en la plasticidad natural del cuerpo lo que permite realizar movimientos complicados.
- Experimentalidad
- Los efectos escénicos son de mucha mayor importancia en el ballet contemporáneo.
Los movimientos pueden tomarse de danzas nacionales, nuevas tendencias en plástica y estilos de danza ultramodernos en representaciones contemporáneas. La interpretación también se realiza de una manera nueva. Muchos directores intentan que el público mire el baile clásico desde un ángulo diferente. Las nuevas lecturas son bienvenidas, y cuanto más diferentes sean, mayor éxito les espera.
Métodos de ballet
Es importante que los bailarines presten especial atención al fortalecimiento de los parámetros físicos de sus cuerpos. La formación sistemática de los bailarines de ballet se basa en la investigación científica y en un sistema de reglas históricamente establecido. Los principales métodos de entrenamiento de ballet son los métodos de Vaganova, Cecchetti, la Real Academia de Danza, la Escuela Francesa, Balanchine y Bournonville. Los diversos métodos, aunque silenciosamente independientes, también pueden ser complementarios.
El método Vaganova
La técnica de Vaganova permite resolver varios problemas coreográficos en la merienda: el diagnóstico de las futuras cualidades profesionales, la educación de las habilidades coreográficas, el mantenimiento de la forma física y la evaluación de la aptitud para el ballet.
Usando un sistema de base científica para elegir a los estudiantes y su experiencia personal, Vaganova pudo tomar lo mejor de las escuelas de danza clásica francesa, italiana y rusa y crear su propio sistema de enseñanza.
El principio fundamental de toda la actividad pedagógica de Vaganova fue la lucha por una ejecución limpia del movimiento sin adornos ni descuidos, el deseo de lograr una gran expresividad de los movimientos con pocos recursos. Entre las posiciones de principios absolutamente nuevas que introdujo Vaganova en el proceso de formación de bailarines de ballet, cabe mencionar las siguientes:
- Posicionamiento de la espalda que permite que el cuerpo se relaje y se vuelva expresivo.
- Los movimientos de los brazos tienen dos funciones: crear una imagen espiritualizada y ayudar a la danza.
- El posicionamiento de la cabeza y la dirección de la mirada, que sigue los movimientos de los brazos y el cuerpo.
- Distinguir entre poses grandes y pequeñas
- Elaboración cuidadosa de todos los movimientos
Los profesores y jurados de los concursos de danza clásica siguen prestando la máxima atención al cumplimiento de estos requisitos.
Vale la pena señalar
que las escuelas de ballet modernas que siguen los principios de la enseñanza según el método Vaganova a menudo son reprendidas por el público por su actitud cruel, degradante y excesivamente exigente hacia sus estudiantes. La crítica no es infundada: hay mucha evidencia de un enfoque excesivamente estricto en la apariencia y una crítica destructiva de las bailarinas por supuestamente no ajustarse a las proporciones de una bailarina. Esto a menudo conduce a una mayor anorexia y hambre entre los bailarines. Los profesores y los bailarines de ballet están divididos en sus opiniones. Los primeros argumentan que la forma de ballet requiere un trabajo duro y desesperado, por lo que no hay lugar para la autocompasión en este arte. Por otro lado, otros creen que es el arte de la danza lo que debe enseñarse, no cómo moldear el propio cuerpo.
El método Cecchetti
La práctica pedagógica de Cecchetti ocupó un lugar especial en el arte del ballet de finales del siglo XIX y principios del XX. Cecchetti, habiendo aprendido mucho de los maestros de ballet rusos, sintetizó las mejores cualidades de las dos escuelas de danza diferentes en su enseñanza.
El método pedagógico que desarrolló específicamente para los alumnos rusos se distinguió por su clara sistematización: elaboró para cada día de la semana una cierta serie de combinaciones tanto para adagio como para allegro. Y cada día se basó en un pas dominante o tipo de pas para ambas partes de la lección.
El principio de enseñanza de Cecchetti tenía ciertas ventajas. El maestro brindó habilidades sólidas de rotaciones dinámicas y paradas cinceladas, poses firmes y tempos claros. Los movimientos de brazos, tronco, piernas adquirieron confianza y expresión. La clase de Cecchetti fue rigurosa, exigente físicamente, desarrolló la respiración, la fuerza de las piernas, especialmente los pies. La rotación rápida se logró mediante una “fuerza” aguda (levantando simultáneamente los medios dedos y transfiriendo las manos desde la posición preparatoria a la postura de rotación) y el requisito de fijar la mirada en un punto durante las rotaciones.
Escuela francesa
La Escuela de Ballet Francesa no está estandarizada por un solo creador; se desarrolló a partir de las ceremonias de la corte de los monarcas franceses hace muchos años y se considera la base de toda la formación de bailarines de ballet. La escuela francesa fue la que desarrolló la terminología de la danza clásica, que se ha conservado hasta nuestros días.
Suavidad, claridad, gracia y pureza de líneas son características de la escuela francesa de ballet. El épaulement y el port de bras se realizan de forma más redondeada que en el método Vaganova pero menos redondeado que en el método Bournonville. Otro rasgo distintivo es la rapidez del juego de pies.
Método Bournonville
La técnica de Bournonville sigue siendo parte de la práctica del ballet danés. Apareció en los teatros europeos ya en el siglo XIX, pero los ballets de August Bournonville solo se hicieron ampliamente conocidos fuera de Dinamarca después de la Segunda Guerra Mundial.
La coreografía de August Burnonville se reconoce al instante. Se distingue por su estilo especial, característico solo de este maestro. El secreto del coreógrafo se esconde en el vocabulario de sus ballets, en las técnicas y formas de aplicar el pas vinculante, en el trabajo de sus manos con un encanto especial. La ilusión de ligereza ingrávida es lo principal que ha aportado el coreógrafo a la danza clásica.
El método requiere que el bailarín realice los movimientos más difíciles como si fueran por cierto, como si el mismo bailarín no supiera lo que hacen sus pies, en contraste con las tradiciones francesa y rusa, que destacan claramente el paso culminante.
El método de la Royal Academy of Dance
La metodología inglesa de enseñanza de la danza clásica evolucionó para difundir esta forma de arte por toda Inglaterra. La característica principal de la metodología es la idea de que al aprender la técnica de los pasos simples de manera precisa y limpia, será más fácil para el bailarín aprender cosas más complejas y técnicas. En consecuencia, esta escuela asume una enseñanza lenta y muy cuidadosa de pasos simples, aumentando gradualmente el nivel de complejidad.
Método Balanchine
El Método Balanchine es un método para enseñar a bailarines en la School of American Ballet (una escuela asociada con el ballet en la ciudad de Nueva York) y se enfoca en movimientos muy rápidos combinados con un uso más abierto de la parte superior del cuerpo.
El método de Balanchine se caracteriza por una velocidad intensa, capas profundas y un fuerte énfasis en las líneas. Los bailarines de ballet de Balanchine deben estar en buena forma y ser muy flexibles. El método tiene muchas posiciones de manos excelentes y una coreografía excelente y dramática.
Las posiciones de las manos con el método Balanchine (a menudo denominadas «manos Balanchine») tienden a ser más abiertas, menos curvas y, a menudo, «rotas» en la muñeca. Las capas son profundas y las posiciones arabescas tienden a ser desiguales, con una cadera abierta mirando al público para lograr la ilusión de una línea arabesca más alta. Debido a la naturaleza extrema del método Balanchine, las lesiones son comunes.
Hoy en día, todas estas técnicas existen de forma independiente o en combinaciones en las escuelas de ballet de todo el mundo. Como resultado del entrenamiento constante, el bailarín adquiere una posición corporal estéticamente hermosa, músculos fuertes y desarrollados de manera integral, ligamentos flexibles y un dominio seguro del cuerpo.
Géneros de ballet
El género del ballet puede ser:
Dependiendo de la presencia o ausencia de una trama, el ballet puede ser:
- Narrativa: un ballet narrativo clásico de múltiples actos.
- Unplotted – ballet sinfónico, ballet de estado de ánimo, miniatura
Por el número de actos:
- Multi-acto
- Un acto
- Miniaturas
Según la base del guión del ballet, existen:
- Épico
- Lírico
- Dramático
- Mixto (lírico-dramático, lírico-épico, etc.)
A pesar de que todos estos estilos, géneros y tipos de ballet tienen mucho en común entre sí, las diferencias fundamentales en la presentación, la puesta en escena y el material de danza aún nos permiten hablar de tipos de ballet completamente diferentes.
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Analicemos juntos por qué puede amar una forma de arte tan sofisticada y compleja.